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Recently in Performances

London Handel Festival: Handel's Faramondo at the RCM

Written at a time when both his theatrical business and physical health were in a bad way, Handel’s Faramondo was premiered at the King’s Theatre in January 1738, fared badly and sank rapidly into obscurity where it languished until the late-twentieth century.

Brahms A German Requiem, Fabio Luisi, Barbican London

Fabio Luisi conducted the London Symphony Orchestra in Brahms A German Requiem op 45 and Schubert, Symphony no 8 in B minor D759 ("Unfinished").at the Barbican Hall, London.

Káťa Kabanová in its Seattle début

The atmosphere was a bit electric on February 25 for the opening night of Leoš Janàček’s 1921 domestic tragedy, and not entirely in a good way.

Festival Mémoires in Lyon

Each March France's splendid Opéra de Lyon mounts a cycle of operas that speak to a chosen theme. Just now the theme is Mémoires -- mythic productions of famed, now dead, late 20th century stage directors. These directors are Klaus Michael Grüber (1941-2008), Ruth Berghaus (1927-1996), and Heiner Müller (1929-1995).

Christoph Prégardien and Julius Drake at the Wigmore Hall

The latest instalment of Wigmore Hall’s ambitious two-year project, ‘Schubert: The Complete Songs’, was presented by German tenor Christoph Prégardien and pianist Julius Drake.

La Tragédie de Carmen at San Diego

On March 10, 2017, San Diego Opera presented an unusual version of Georges Bizet’s Carmen called La Tragédie de Carmen (The Tragedy of Carmen).

Kasper Holten's farewell production at the ROH: Die Meistersinger von Nürnberg

For his farewell production as director of opera at the Royal Opera House, Kasper Holten has chosen Wagner’s only ‘comedy’, Die Meistersinger von Nürnberg: an opera about the very medium in which it is written.

AZ Musicfest Presents Mendelssohn's Italian Symphony and Leoncavallo's Pagliacci

The dramatic strength that Stage Director Michael Scarola drew from his Pagliacci cast was absolutely amazing. He gave us a sizzling rendition of the libretto, pointing out every bit of foreshadowing built into the plot.

Premiere: Riders of the Purple Sage

On February 25, 2017, in Tucson and on the following March 3 in Phoenix, Arizona Opera presented its first world premiere, Craig Bohmler and Steven Mark Kohn’s Riders of the Purple Sage.

English Touring Opera Spring 2017: a disappointing Tosca

During the past few seasons, English Touring Opera has confirmed its triple-value: it takes opera to the parts of the UK that other companies frequently fail to reach; its inventive, often theme-based, programming and willingness to take risks shine a light on unfamiliar repertory which invariably offers unanticipated pleasures; the company provides a platform for young British singers who are easing their way into the ‘industry’, assuming a role that latterly ENO might have been expected to fulfil.

Matthias Goerne : Mahler Eisler Wigmore Hall

A song cycle within a song symphony - Matthias Goerne's intriuging approach to Mahler song, with Marcus Hinterhäuser, at the Wigmore Hall, London. Mahler's entire output can be described as one vast symphony, spanning an arc that stretches from his earliest songs to the sketches for what would have been his tenth symphony. Song was integral to Mahler's compositional process, germinating ideas that could be used even in symphonies which don't employ conventional singing.

A Merry Falstaff in San Diego

On February 21, 2017, San Diego Opera presented Giuseppe Verdi’s last composition, Falstaff, at the Civic Theater. Although this was the second performance in the run and the 21st was a Tuesday, there were no empty seats to be seen. General Director David Bennett assembled a stellar international cast that included baritone Roberto de Candia in the title role and mezzo-soprano Marianne Cornetti singing her first Mistress Quickly.

New Production of Mozart’s The Magic Flute at Lyric Opera, Chicago

In Neil Armfield’s new production of Die Zauberflöte at Lyric Opera of Chicago the work is performed as entertainment on a summer’s night staged by neighborhood children in a suburban setting. The action takes place in the backyard of a traditional house, talented performers collaborate with neighborhood denizens, and the concept of an onstage audience watching this play yields a fresh perspective on staging Mozart’s opera.

A Salome to Remember

Patricia Racette’s Salome is an impetuous teenage princess who interrupts the royal routine on a cloudy night by demanding to see her stepfather’s famous prisoner. Racette’s interpretation makes her Salome younger than the characters portrayed by many of her famous colleagues of the past. This princess plays mental games with Jochanaan and with Herod. Later, she plays a physical game with the gruesome, natural-looking head of the prophet.

L’Elisir d’Amore Goes On Despite Storm

On February 17, 2017 Pacific Opera Project performed Gaetano Donizetti’s L’elisir d’amore at the Ebell Club in Los Angeles. After that night, it can be said that neither snow, nor rain, nor heat, nor gloom of night can stay this company from putting on a fine show. Earlier in the day the Los Angeles area was deluged with heavy rain that dropped up to an inch of water per hour. That evening, because of a blown transformer, there was no electricity in the Ebell Club area.

Boris Godunov in Marseille

There has been much reconstruction of Marseille’s magnificent Opera Municipal since it opened in 1787. Most recently a huge fire in 1919 provoked a major, five-year renovation of the hall and stage that reopened in 1924.

Bartoli a dream Cenerentola in Amsterdam

With her irresistible cocktail of spontaneity and virtuosity, Cecilia Bartoli is a beloved favourite of Amsterdam audiences. In triple celebratory mode, the Italian mezzo-soprano chose Rossini’s La Cenerentola, whose bicentenary is this year, to mark twenty years of performing at the Concertgebouw, and her twenty-fifth performance at its Main Hall.

Winterreise : a parallel journey

Matthew Rose and Gary Matthewman Winterreise: a Parallel Journey at the Wigmore Hall, a recital with extras. Schubert's winter journey reflects the poetry of Wilhelm Müller, where images act as signposts mapping the protagonist's psychological journey.

Anna Bolena in Lisbon

Donizetti’s Anna Bolena, composed in 1830, didn’t make it to Lisbon until 1843 when there were 14 performances at its magnificent Teatro São Carlos (opened 1793), and there were 17 more performances spread over the next two decades. The entire twentieth century saw but three (3) performances in this European capital.

Oh, What a Night in San Jose

It is difficult to know where to begin to praise the stunning achievement of Opera San Jose’s West Coast premiere of Silent Night.

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Performances

12 Dec 2004

Don Carlo a Firenze

Firenze, teatro Comunale. Si rappresenta il Don Carlo nell'edizione in cinque atti, con la ricostruzione dello storico allestimento di Luchino Visconti. A metà del secondo atto il sipario si chiude per il cambio di scena. Mezze luci in sala, Zubin...

Firenze, teatro Comunale. Si rappresenta il Don Carlo nell'edizione in cinque atti, con la ricostruzione dello storico allestimento di Luchino Visconti. A metà del secondo atto il sipario si chiude per il cambio di scena. Mezze luci in sala, Zubin Mehta non abbandona il podio. Il sommesso scambio di chiacchiere in platea e nelle due gallerie si smorza all'improvviso quando un signore con un microfono in mano esce al proscenio e legge un comunicato che grosso modo dice: il teatro fiorentino censura con forza i tagli ai finanziamenti decisi dal governo e, piu in generale, la sempre minor considerazione che ricevono oggi la cultura e soprattutto il teatro d'opera. Ricorda che il teatro stesso è una casa che dà lavoro a centinaia di persone, le quali hanno deciso di rivelarsi al pubblico non con uno sciopero ma mostrando almeno una parte del lavoro che sta "dietro" lo spettacolo che sta andando in scena.

Il sipario si riapre e il cambio avviene a scena aperta. In pochi minuti decine di macchinisti demoliscono la gigantesca tomba di Carlo V nella chiesa di San Giusto e costruiscono al suo posto l'incredibile prospettiva del chiostro, dove Eboli dovrà intrattenere le dame della corte. E mentre giganteschi pilastri gotici si scoprono dipinti su tela e salgono al cielo, mentre calano le arcate del portico e i cipressi che si alzano nel fondo, mentre l'enorme cancellata d'oro che circondava la tomba viene assicurata a funi e fatta letteralmente volar via, scrosciano gli applausi di un pubblico stupefatto e solidale.

Questa imprevista divagazione nella rappresentazione è stata, al di là del suo significato primo e politico, una vera lezione di teatro, un momento che gli spettatori in sala ricorderanno per molto tempo. E, per di piu, incastonato in uno spettacolo straordinario.

Il Comunale di Firenze ha deciso di rappresentare, a giorni alterni e con due cast diversi, la versione in cinque atti e quella in quattro. Come al solito, quando si decide di rappresentare il Don Carlo si finisce sempre per combinare qualche pasticcio col testo utilizzato: evidentemente non basta decidere per una delle diverse versioni disponibili, da quella di Parigi, ovviamente in francese, in cinque atti e col ballo ma con brani eliminati da Verdi dopo la prova generale per accorciare la durata dello spettacolo, a quelle italiane: Bologna 1867, cinque atti col ballo, semplice traduzione in italiano della versione francese; Milano 1884, ridotta a quattro atti; Modena 1886, riportata a cinque atti ma senza ballo. Nel mezzo, altre modifiche apportate in occasione di una ripresa napoletana. Quella rappresentata a Firenze assieme alla versione di Milano (alla quale pero, se ho capito bene, è stata tagliata l'aria del tenore nel primo atto) è stata nella sostanza la versione di Modena ma con l'aggiunta, come si era fatto alla Fenice nel 1973 e alla Scala nel '77, di due dei brani che Verdi aveva tagliato, solo per ragioni pratiche, prima della prima rappresentazione assoluta: il coro di apertura nel bosco di Fointanbleau e il grande concertato in morte di Posa. Brano a cui Verdi teneva evidentemente molto, visto che tolto dal Don Carlos divenne poi il Lacrymosa della Messa di Requiem. Queste contaminazioni fra versioni diverse mi lasciano sempre perplesso. Non sarebbe piu semplice e corretto decidere per una delle possibili versioni autentiche ed eseguirla sic et simpliciter? E, meglio ancora, non sarebbe ora che qualcuno si decidesse a mettere in scena il primo Don Carlos, quello che ando in scena una volta sola alla prova generale dell'opera?

Quante cose si capiscono vedendo, pur con tutte le sue inevitabili approssimazioni rispetto all'originale, questa ricostruzione di uno dei piu celebri allestimenti di Luchino Visconti! Intanto chi non ha l'età per averne fatto esperienza diretta si trova davanti all'immagine evidente di come si faceva spettacolo d'opera fino agli anni Sessanta, e con essa coglie la vera essenza del grande repertorio italiano, il suo essere manifestazione di una cultura popolare che nella grande mogeneizzazione/americanizzazione/standardizzazione di oggi non esiste piu.

Non è facile, adesso, abbandonarsi con atteggiamento "vergine" a queste scene dipinte, a questa assenza di sovrastrutture intellettualistiche, a questo gusto per l'oleografia, a questo modo di fare regia che ha soprattutto due obiettivi che i registi di oggi nemmeno prendono in considerazione. Il primo: concepire movimenti che rispettino le indicazioni del libretto e i suggerimenti dello spartito e raccontino la storia nella maniera il piu possibile chiara e coinvolgente. Il secondo: cogliere le potenzialità spettacolari del libretto e con lui (e non contro di lui o nonostante lui) costruire, per successive aggiunte, quei tableaux vivants che sono una delle caratteristiche drammaturgiche imprescindibili del grand-opéra. Nello spettacolo di Visconti i quadri finali della scena dell'autodafè e del carcere toglievano il respiro tanto erano belli. E realizzati grazie all'ammirevole padronanza della tecnica registica vera, quella che sa muovere e comporre le masse, che sa recuperare i riferimenti figurativi appropriati, che sa cogliere nel testo i suggerimenti per il proprio contributo senza la patetica pretesa di sovrapporre ad esso drammaturgie alternative spesso inconsistenti.

La realizzazione musicale è stata complessivamente di altissimo livello. Non posso purtroppo andare oltre un giudizio genericamente positivo sulla direzione di Zubin Mehta, poiché credo che la mia collocazione nella sala, proprio sopra la banda degli ottoni e le percussioni, abbia falsato parecchio la mia percezione del contributo orchestrale. Immagino che chi stava in posti meno infelici da questo punto di vista abbia sentito un'orchestra molto piu equilibrata di quanto non abbia sentito io.

Al vertice del cast la Eboli di Violeta Urmana e la Elisabetta di Barbara Frittoli. La prima ha un timbro sfarzoso di mezzosoprano unito a una incredibile facilità nel registro acuto che le ha guadagnato vere e proprie ovazioni dopo un trascinante finale di O don fatale. Barbara Frittoli ha una presenza vocale obiettivamente meno consistente, sia per volume che per bellezza del colore. Il personaggio, poi, deve attendere il quinto atto per giocare la sua grande carta. Ma la sua è stata un'Elisabetta giovane, bellissima, piagata e vocalmente impeccabile. Tu che le vanità è stato un momento di grande commozione, anch'esso salutato da un applauso trionfale.

Roberto Scandiuzzi, Filippo II, ha cominciato non bene, con qualche muggito e accenti rudi e poco convincenti, ma è rientrato ben presto nei ranghi e ha fatto un Filippo duro e giovanile, di grande presenza vocale e scenica.

Fabio Armiliato ha dato una prova efficiente, forse non molto approfondita dal punto di vista dell'interpretazione (la fragilità nervosa del personaggio latitava) ma vocalmente sicura e teatralmente disinvolta. Armiliato è un cantante affidabile, che non si strozza negli acuti e recita e interpreta sia col corpo che con la voce. Bisogna dargli atto che senza essere un fuoriclasse ha saputo dare a quest'immensa opera un protagonista efficace.

Meno significativo il Posa dell'ormai onnipresente Carlo Guelfi, statico sia fisicamente che vocalmente e con una discutibilissima e fastidiosa propensione a mettere la voce nel naso. Il timbro, poi, è comune e poco si addice al nobilissimo personaggio di Rodrigo. Gli va dato atto di aver eseguito i molti trilli previsti dalla partitura, o almeno di averci provato. La resa del personaggio, pero, era incompleta.

Nel complesso, comunque, si è trattato di una serata memorabile, nel corso della quale l'immenso affresco verdiano ha ricevuto una realizzazione fra le migliori oggi possibili.

Riccardo Domenichini

Don Carlo will be broadcast by Radio 3 on 16 December at 1800 GMT. Click here for details.

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